The Juhu! Awoowoo! Blog - DVD

Jail Bait

nospam@example.com (Marcus) — Thu, 20 Sep 2007 21:30:00 +0200

Die "Ed Wood Collection" ist mit sechs Filmen wirklich proppevoll. Jail Bait ist, trotz aller Schwächen, einer der besseren dieser Box. Woods uvre der frühen Jahre kannte zwei Seiten: SciFi/Horror und Krimi/Sozialkritik. Dieser hier sitzt zwischen den Stühlen. Gegenüber Glen or Glenda verzichtet Wood auf avantgardistische Ansätze und verschiedene Erzählebenen, was der Flüssigkeit des Filmes gut tut. Der Cast ist, bis auf Timothy Farrell, der den Gangster Vic Brady spielt (und in Glen or Glenda als Psychater bzw. Erzähler tätig war), scheußlich. Viele Szenen wirken wie Aufführungen einer Schultheatergruppe. Aber wer Ed Wood sieht, der weiß, was ihn erwartet.

Wood spinnt in Jail Bait einen Faden, den er in The Violent Years später wieder aufnimmt. Es geht um die Kinder gut situierter Eltern, die - mangels Aufmerksamkeit - auf die schiefe Bahn geraten. In Jail Bait ist es der Sohn eines (weltberühmten) Chirurgen, der sich auf einige Gaunereien (wegen unerlaubten Waffenbesitzes muss man ihn zu Anfang des Films auf Kaution von der Polizeiwache freikaufen) einlässt und schließlich einen Nachtwächter bei einem Schuss aus dem Affekt umbringt. Dass Wood diese Grundlage für das futuristische Thema einer Gesichtstransplantation verwendet, zeugt von seiner Kreativität. Und die Tatsache, dass der gute Doktor dies mit einer Küchenschere und einer Schüssel heißes Wasser bewerkstelligt.

Natürlich beinhaltet der Film auch unfreiwillig komisches, was bei Woods Arbeitsweise ja (zum Glück?) nicht ausblieb. Am witzigsten fand ich die Szene, in welcher der Doktor in der Küche des Gangsters alle Schränke durchsucht - scheinbar unter dem Vorwand, eine Schüssel zu suchen. Tja, die Pointe des Ganzen: er sucht die Schüssel wirklich! - und findet sie erst im sechsten oder siebten Anlauf. Ob Wood damit einfach nur die pure Loyalität des Doktors zeigen wollte? Der könnte doch eigentlich auf den Gedanken kommen, nach dem Verbleib seines vermeintlich entführten Sohnes zu schnüffeln.

Der die ganze Zeit eher senil denn genial wirkende Darsteller des Doktors starb übrigens laut IMBd am Morgen nach seiner letzten Szene. Wer die Inspiration zu Face/Off sehen möchte und Wood-Sympathisant ist, kommt auch um diesen Film nicht herum!

White Zombie

nospam@example.com (Dawn) — Wed, 19 Sep 2007 21:57:59 +0200

Being made in black and white, in the early years of sound, this picture still incorporates the best of soundless film. At times using dialogue only like the "captions" found in the days without sound- snippets of dialogue are weighted with more meaning than any rambling conversation could manage. In every part of the scenery and setting, the sense of contrast between beauty and twisted ugliness is apparent. Scenes show the island as a fruitful tropical paradise, Mssr. Beaumont's home is richly elegant, but this is always balanced by the darkness of lumbering zombies. The beauty of Madaline, the innocent gypsy queen, constantly stalked by the desperate clinging "love" of Beaumont, whilst all is towered over by Lugosi's character, the presonification of evil himself, Murder Legandre (for this is his name, although interestingly it is never mentioned in the film). A man who seems to exist for no other reason than to gain power over others though use of his dark "spells". One of the most memorable scenes is that of the sugar mill, which is accompanied by nothing more than the sound of the creaking wheel, driven by brainless, sunken-faced living corpses. This sound continues, even as we see a "man" fall into the sugar cutting blades, and as Beaumont approaches his witch doctor, all resolve fading to horror in his face.
Madaline's husband Neil is like a typical hero type, but it is sure that he loves his bride, though whether this is more or less than Beaumont I cannot guess. In one of my favourite scenes in the film, he is drowning his sorrows after the death of his wife, and sees mirages of her calling his name. He stumbles towards her, against a backdrop of the shadows of figues, unnoticed, in the corner of a bar- creating a moving and perfect picture of dejection.
Towards the end of the film, Beaumont gets his zombie slave. Madaline sits pale and lifeless at a piano, playing the same song over, and the insidious sexual tension reaches its peak- the enrequited lover has not his hearts desire, but a beautiful corpse, a fragile caged bird who will not sing. The ending, set in a high vaulted gothic castle by the sea, I seem to remember being a little bizarre, though this is barely detrimental to the film as a whole. I find the whole story fascinating, of the lengths people will go to to try to get what they cannot have, and only wish I could find better words to describe it than I have done here.

Plan 9 From Outer Space

nospam@example.com (Marcus) — Thu, 13 Sep 2007 18:09:00 +0200

oder auch:

Kult-Epos einer Regie-Legende

"Plan 9..." setzt dem Woodschen Schaffen sicherlich die Krone auf. Der ganze Plot ist so überladen mit allem, was die zeitgenössischen Sci-Fi- und Horror-Genres hergaben und so bizarr verquirlt, dass der WTF?-Faktor neue Dimensionen erreicht.

Ich meine, wie zur Hölle wollen diese Außerirdischen die ganze Welt vernichten, wenn sie mit ihrem Plan 9 nicht einmal drei Untote vernünftig kontrollieren können? Warum hat der Chef der Außerirdischen eine Hellebarde auf der Brust? Überhaupt: warum sehen die Außerirdischen wie Menschen aus?

Gut, viele Fragen lassen sich einfach beantworten: mangelndes Budget. Dass dieses hauptsächlich von Baptisten bezahlt wurde, ist ein weiteres respektables Zeugnis von Woods Überzeugungskünsten und seinen Willen, über so gut wie alle Leichen zu gehen. Schließlich mussten sich die Akteure des Filmes (Tor Johnson, Vampira, Bunny Breckinridge und Ed Wood selbst) taufen lassen, um die nötige religiöse Reputation zu bekommen.

Der baptistische Arm zeichnet sich wohl auch für einen der Darsteller, den grobschlächtigen Piloten Jeff Trent (gespielt von Gregory Walcott), verantwortlich - man wollte doch gerne einen stereotypischen Helden an Bord haben.

"Plan 9..." ist in seiner Gesamtheit wohl das wirrste, das Ed Wood geschaffen hat (stellenweise wird diese Wirrheit noch in "Night of the Ghouls" übertroffen) und genau das macht die Faszination und den Charme dieses Epos' aus. Ich denke nicht, dass es sich lohnt, den Film öfter als einmal zu sehen. Aber einmal, doch, einmal sollte man ihn gesehen haben.

Glen or Glenda

nospam@example.com (Marcus) — Wed, 05 Sep 2007 12:47:00 +0200

Als der Filmproduzent George Weiss von der ersten Geschlechtsumwandlung erfuhr und den jungen Filmemacher Edward D. Wood, jr. damit beauftragte, einen Horrorstreifen über jene zu drehen, die sich fremd im eigenen Körper fühlten, hatte er sicher mit einem ganz anderen Resultat gerechnet. Wood liebte zwar das Absurde, doch diese Thematik war ihm sehr ernst. Ernst deshalb, weil Wood selbst Transvestit war. Später bezeichnete er "Glen or Glenda" als seine Geschichte. Logisch, dass er die Hauptrolle verkörperte und in seinen geliebten Angora-Pulli schlüpfte, um Glenda zu mimen, das zweite ich von Glen, der gerne Barbara heiraten möchte, sich aber nicht traut, ihr von seinem zweiten Ich zu erzählen.

Dies ist aber nur eine der Erzählebenen. Der Film besitzt mehrere davon, die manchmal verwirrend ineinander greifen. Die erste Ebene wird von dem alternden Bela Lugosi besetzt, der in einem Kämmerlein den Philosophasten mimt und in abgedroschenen Phrasen Allgemeinheiten über die Menschheit preisgibt ("Manchmal ist das falsch, das richtig scheint und das richtig, das falsch scheint"). Auf der zweiten Ebene untersucht ein Inspektor den Selbstmord eines Transvestiten (oder Hermaphroditen? Das weiß ich nun nicht mehr ganz) und informiert sich bei einem Psychater über das Phänomen. Auf der dritten Ebene spielen sich dann zwei Handlungsstränge ab: die Geschichte von Glen und Glenda, eines Transvestiten und die von Alan und Ann, eines Hermaphroditen. Diese werden von dem Psychater kommentiert. Wahlweise lässt sich das surreale Traumgeschehen in Glen/Glendas Ebene noch als vierte Unterebene bezeichnen, die wiederum mit der ersten kommuniziert.

Man sieht: es ist verwirrend. Nie wird wirklich klar, welche Intention Wood genau verfolgt. Einerseits möchte er eine gründliche Dokumentation über die Probleme und die Unterschiede zwischen Hermaphroditen, Transvestiten und auch Homosexuellen abliefern und den Betrachter für diese Themen sensibilisieren - andererseits möchte er einen intelligenten, avantgardistischen Film zeigen, der tiefere Komplexität durch seine Erzählschichten und surreale Einwürfe bietet.

Diese - ich denke einmalige - "Avantdoku" kränkelt dann allerdings doch an den vielen Ambitionen Woods. Bela Lugosi ist in diesem Film eigentlich vollkommen unnötig. Ich nehme an, dass Wood in aus Sympathie, und um dem amerikanischen Publikum einen halbwegs gewohnten Einstieg zu bieten, engagiert hat. Die Traumsequenz in Glen/Glendas Handlungsstrang nimmt leider viel zu viel Platz ein und sein - wie sagt Udo so schön - "What the fuck?"-Faktor (Fucktor?) verhindert eigentlich den seriösen Ansatz Woods, hier Aufklärungsarbeit leisten zu wollen. Jeder Kinogänger wird sich doch spätestens an der Stelle gedacht habe: "DAS kommt also dabei heraus, wenn ein Transvestit Filme macht....".

Wie dem auch sei, "Glen or Glenda" gehört zu dem obskursten, was ich je gesehen habe und ist allein deshalb eine Empfehlung wert.

Bride of the Monster

nospam@example.com (Marcus) — Mon, 03 Sep 2007 16:18:20 +0200

Nachdem Udo nicht nur mich sondern auch Dawn neugierig auf die Ed-Wood-Box gemacht hatte (s. auch: seine Rezension im Progblog), konnten wir dem Wahnsinnsangebot (3 Pfund) der englischen Amazon-Seite nicht widerstehen und griffen zu. Das hat sich gelohnt! Zwar habe ich zu "Bride of the Monster" schon auf Udos SciFi-B-Movie-Seite darüber geschrieben, aber der Ausführlichkeit halber führe ich die kleine Rezension hier auch noch auf.

Billigster Horror-Humor mit guter Besetzung

Der alternde Bela Lugosi scheint dazugelernt zu haben. Vergleicht man "Bride of the Monster" mit dem 31er "Dracula", dann ist vor allem hervorzuheben, dass er mindestens zwei Grimassen (aufgesetztes Grinsen, aufgesetztes Kichern) dazugelernt hat; die Closeups seines Gesichts mit hypnotisch durchdringenden Augen und hochgezogenen Brauen gehören ja seit je her zum Standardrepertoire.

Und trotzdem das alles bekannt ist, macht Lugosi diesen Film zu etwas besonderem. Seine komplett affektierte und trotzdem abstrus authentische Aura gibt dem Film das nötige Volumen, um nicht in der unterhaltungsarmen Bodenlosigkeit zu verschwinden, die viele dieser Mittfünfziger Horrorschinken geschluckt hat.

Dafür sorgt aber nicht nur Lugosi. Auch der unfreiwillig(?) komische Tor Johnson brilliert als Lobo, eine Art Frankensteins Monster, dessen knuddeliger Anzüglichkeit nur mit Peitschenhieben beizukommen ist und der eine auffällige Vorliebe für Damenhüte hat (der laut Udos Ausführungen wohl ein Fetisch Woods zu Grunde liegt).

Was bleibt sonst? Der Plot ist stumpf und vorhersehbar, lediglich kleine Gimmicks, wie der Versuch, das Geheimnis um das Monster von Loch Ness zu lüften (obwohl dort nie die Rede von einem verstrahlten Oktopus die Rede war), oder der zahme Vogel des Chief Inspectors sowie dessen, auf seinem eigenen Schleim ausrutschenden, speichelleckenden Officers sind originell.

Trotz der Stumpfheit und eben Dank des guten Casts ist "Bride of the Monster" für einen kurzweiligen Kinoabend, bei dem gelacht werden darf, bestens geeignet.

Mussolini - Die letzten Tage

nospam@example.com (Marcus) — Fri, 27 Apr 2007 15:18:00 +0200

Heute vor genau 62 Jahren auf dem Marktplatz von Dongo (I) wurde Benito Mussolini bei einem halbherzigen Fluchtversuch von italienischen Partisanen aufgeschnappt, dann erst in Sicherheit gebracht, um ihn vor Gericht bringen zu können, bis er schließlich doch, am morgigen Tage vor 62 Jahren in aller Hektik erschossen wurde - zusammen mit seiner Geliebten Clara Petacci.

Den Film dazu habe ich von einem Saturner Grabbeltisch mitgenommen. Ärgerlich ist, dass die Vertreiber "Best Entertainment" anscheinend null Wert auf eine ordentliche Aufmachung sowie Fehlerkorrektur legen. An - zum Glück wenigen - Stellen im Film bricht plötzlich der Ton für ein, zwei Sekunden ab, oft knistert der Ton in den Boxen und hier und da mischen sich auch ein paar Artefakte ins Bild. Das ändert aber nichts daran, dass der Film packend und trotzdem nie pathetisch, sondern immer mit einem nüchternen Unterton erzählt. Mussolini, der selbsternannte Duce des Faschismus in Italien, als eingebrochener Mann, sehr gut dargestellt von Rod Steiger, dessen Tod so sinnlos erscheint - trotz all seiner maßlosen Verbrechen, die auch im Film immer wieder durch Reminiszenzen in Originalbildern gezeigt werden und zwar immer dann, wenn der Zuschauer droht, zu viel Mitleid mit ihm zu bekommen - besonders durch das Beisein seiner Geliebten Petacci. Hat irgendein Mensch es verdient zu sterben, gleich welche Verbrechen auf ihm lasten?

Der Film beantwortet die Frage nicht und er versucht auch nicht, eine zu geben. Stattdessen werden die letzten Tage Mussolinis detailgetreu nachgezeichnet - die Leichenschändungen an Mussolinis und Petaccis Leibern hat Regisseur und Drehbuchautor Carlo Lizzani dann auch weggelassen. Interessant ist das Buhlen um Mussolini - sozialistische Partisanen gegen Kirche (als Vermittler - der Bischof von Mailand wird von Henry Fonda gespielt) gegen Amerikaner - alle wollen den faschistischen Diktator für ihre Zwecke. Und mitten drin Mussolini, der ähnlich wie Hitler Phantomregimenter zu Hilfe ruft und am Ende ein - ja es ist tatsächlich so - bedauernswertes Bild abgibt.

Der Griff in die Grabbelkiste hat sich also gelohnt, auch wenn "Best Entertainment" ein dickes Minus für die schlampige Aufarbeitung dieser dokumentarisch dramatischen Filmperle kriegt.

L.A. Crash

nospam@example.com (Marcus) — Sun, 05 Mar 2006 15:32:00 +0100

s. dazu: Offizielle Seite von L.A. Crash bei rtl.de

Ich bin nicht oft fürs Kino zu begeistern und noch seltener schaue ich mir Filme auf DVD an. Allerhöchstens für einen Pro7-Sonntagsfilm (ich schaue gerne Luc Besson- oder Jacky Chan-Filme und die laufen da ja zu Hauf) kann ich mich begeistern, was mir dann aber höchstens zum kurzweiligen Zeitvertreib dient.

Nun kommt es aber vor, dass mich meine cinemanischen Freunde (ein gewisser Herr Kurowicki sei hier beispielhaft erwähnt) auf den ein oder anderen Kinotipp hinweisen. So bekam ich über jene Quelle auch den Trailer zu L.A. Crash mit (s.o.), der mich gleich ungemein faszinierte. Ja, diesen Film wollte ich unbedingt sehen. Gesagt, nicht getan, irgendwie vergaß ich es und umso freudig überraschter war ich, als sich die DVD-Ausgabe des Films auf dem Gabentisch meines Geburtstags befand. Und ehe ich ihn wieder vergessen sollte, habe ich ihn mir des Donnerstags angeschaut.

L.A. Crash ist ein unglaublich emotionales, authentisches Episodendrama, das die Geschichte vieler sehr unterschiedlicher Menschen in dem Makrokosmos und kulturellen Schmelztigel L.A. erzählt. 36 Stunden lang werden diese Menschen begleitet, dabei verändert sich das Leben jedes einzelnen, Situationen entstehen, die sie aus ihrem Gefüge bringen, die sie vor neue Fragen stellen, die an einem alten verklärten Weltbild rütteln.

Regisseur Haggis präsentiert Helden und Antihelden in einer Welt, die bestimmt ist von Vorurteilen, von Egomanie und Verschlossenheit. Trotz vieler hochkarätiger Stars (allen voran Sandra Bullock) wird kein Akteur ins Rampenlicht gestellt. Am überzeugendsten finde ich den mit rassistischen Vorurteilen belasteten Officer Ryan, gespielt von Matt Dillon, der beweist, dass man nie deutlich zwischen Gut und Böse sondern nur zwischen guten und bösen Taten unterscheiden kann. Stress und Überlastung spielen fast immer eine herausragende Rolle, das wichtigste bleibt jedoch die Kommunikation. So geschieht der einzige Mord im Film, weil zwei einander aufgeschlossene Menschen (ein Schwarzer und ein Weißer) wegen kommunikativer Hindernisse aneinander geraten. Dieses Paradoxon - der weiße Polizist, der sich für Schwarze einsetzt, tötet den Schwarzen, der lebensfroh und Weißen gegenüber aufgeschlossen ist - macht den Film im Umkehrschluss so glaubwürdig. Jeder kann scheitern in dieser Welt, in der immer noch streng zwischen den Kulturen unterschieden wird, in der sich fast eine Art Kastensystem herausgebildet hat.

Ich muss zugeben, dass mich der Film an manchen Stellen gepackt hat, mich zum Kopf schütteln und zum Weinen gebracht hat. Am Ende ist es nicht nur L.A. sondern unsere ganze Welt. Wie unterscheiden wir in Deutschland zwischen den Kulturen? Werden wir nicht auch ständig mit Vorurteilen gegenüber "den anderen" konfrontiert? Wahrscheinlich sollten wir mehr Filme sehen, die uns verstehen lassen, dass es nur ein Leben im Miteinander geben kann.

Vertrauen Sie mir - ich weiß, was ich tue!

nospam@example.com (Marcus) — Wed, 22 Feb 2006 15:20:00 +0100

Es war ein geselliger Abend mit ein wenig Bourbon-Whiskey und guten Freunden, der nun schon ein paar Jährchen zurück liegt, ich vermute 6 oder 7. Just an diesem Abend schalteten wir den Fernseher ein und sahen eine Sendung, die uns ob unseres fortgeschrittenen Alkoholpegels in Lachorgien aufgehen ließ. "Sledge Hammer" nannte sich diese Serie und dargestellt wurde ein Cop, der jenseits aller Moralvorstellungen mit seiner Knarre spricht und auf alles schießt, was nicht bei drei auf den Bäumen ist.

Erst jetzt gab ich meinem Drang nach, mir die Serie in Gänze zuzulegen. Die ersten beiden Folgen sprachen aber schon deutlich dafür. Gewalt (es fließt übrigens kein Blut) wird satirisch durch die Mangel genommen, der Polizeichef schreit grundsätzlich, der Waffennarr und Frauenfeind Sledge Hammer ist am Ende immer siegreich, auch wenn seine Methoden äußerst fragwürdig und geradezu lächerlich sind. Ja, der Kauf wird sich gelohnt haben. Nur den Bourbon-Whiskey brauch' ich nicht noch einmal.